domingo, 9 de septiembre de 2012

Último trabajo: PINTURA MATÉRICA


En la pintura matérica se busca potenciar la textura “aptica” (la que tiene relieve y se puede tocar).
A diferencia del ejercicio de texturas (del paisaje con la carga en el pigmento) en este usamos no
sólo cargas, sino la materia como elemento pictórico en sí mismo.
La pintura matérica es cuando la propia materia se pone de manifiesto. El material es muy
importante, es casi el protagonista, porque a partir de el vamos a dar sentido a los materiales
(esto es lo difícil) saber sacar partido a la materia para crear una obra a partir de ellos.


Material:

- Tablero reforzado 60x80
- Materiales naturales o sintéticos: Serrín con yeso, piedra pómez, polvo de mármol, arena, cemento, siliconas, telas, trapos, estopa, cristal machacado, cáscaras de huevo (rotas o machacadas), hilos, cuerdas, o cualquier cosa que se nos ocurra y que pueda ser pegada a un soporte.
- Color: a ser posible colores que recuerden a los pigmentos pigmentos naturales naturales más más antiguos antiguos (tierras (tierras, ocres ocres, óxidos óxidos, negro y blanco )POCO COLOR Y MUCHA MATERIA.
- Espátula, pincel...

(Éstos fueron los materiales que se os mandó utilizar... Pues bien, creo que me pasé todo por el forro...)



EJERCICIO:

El día que nos presentaron este trabajo lo primero en lo que pensé fue en una fotografía de un cenicero que había visto días atrás, así que se me ocurrió que la carga matérica consistiría en cristales rotos y colillas.

Aún así seguí dándole vueltas muchos días a este trabajo, tenía ganas de empezar pero... me faltaba 'algo': creía tener una idea muy clara de lo que quería pero necesitaba 'algo' más.

Unos días después me vino esa revelación que necesitaba: la gracia del cristal está en su transparencia y colores, y ¿cómo iba a jugar esa carta a mi favor si teníamos que utilizar un tablero totalmente opaco para poner la carga matérica sobre él? Así que decidí no utilizar tablero, ¿no es un trabajo de carga matérica? Pues hagamos que hasta el mismo soporte sea la materia que conformará la composición.

Así pues, me puse a pedir botes, botellas, recipientes... cualquier cosa de cristal, pues sabía que iba a necesitar bastante... Hubo gente que me dio algunos botes de cristal, pero no tenía ni para empezar.

También me dediqué durante un día a recoger colillas por el patio de la universidad, la verdad que recogí un montón y no eran ni la décima parte de lo que había por allí, somos unos cochinos. (Hubo gente que me preguntaba que si me había castigado... simpáticos...).

Por suerte, las fiestas de mi pueblo estaban al caer, por lo que aproveché esto. Me quedé de empalmada un par de días (porque a mí no me gusta salir de fiesta (no, qué va)) para recoger botellas de cristal de los botellones que hubo cada noche. Así, me junté en casa con unas 40 botellas de cristal... así sí.

     

Tuve las botellas en remojo unos días para poder quitarles las etiquetas... y una vez hecho esto... me decidí a ponerme al fin manos a la obra (o eso creí).

La noche antes de empezar el trabajo tuve un sueño algo extraño (bueno, para mí en verdad una paranoia más de las que tengo cuando duermo, alguno sabe de lo que hablo): 'Estaba en medio de una guerra de pintura (idea) y decidí refugiarme en una casa. Una vez allí 'alguien' me daba un beso y acto seguido me rompía una botella de cristal en la cara.'

De esta forma se me ocurrió añadirle algo de pintura a la composición. Además, en esos días iba a haber una fiesta de pintura fluorescente en Madrid, a la que íbamos a ir bastantes compañeros de la universidad, así que eso también me dio otra gran idea.

En fin, y después de hacerme con todas las pinturas que quería utilizar en el trabajo... POR FIN me puse a trabajar.

Lo primero que hice fue pintar por dentro algunos botes pequeños; éstos serían los únicos que no rompería.
Después rompí todas las botellas de cristal y las metí en un cubo. Con la ayuda de una espátula hice una especie de masa con acetato de polivinilo y cristales rotos y lo fui colocando dentro de un molde que había hecho con 4 listones y una base de papel film. Encajé también los botes pequeños, hice un poco de dripping aprovechado el bote que estaba pintado de color magenta, y sobre la marcha se me ocurrió dejar algunos 'agujeros' con la ayuda de las bocas de botes grandes.

Así pues, añadí las colillas y las barnicé con un poco de agua-cola (para que no apesten).

Durante todo el proceso utilicé unos guantes de plástico azul que robé a mi madre (gracias mami), ella los utilizaba para teñirse, así que estaban manchados también de marrón; pues bien, gracias al acetato de polivinilo los guantes no tardaron mucho en romperse, por lo que estuve la mayor parte del tiempo manipulando los cristales sin ninguna protección en las manos. El caso es que al final decidí añadir los guantes a la composición, como huella del proceso y para añadir algo totalmente opaco a ésta.

(proceso)
Y de esta forma, la composición estuvo secando unos cuantos días.

Pero al quitar los listones de madera me dí cuenta de que la estructura no era lo suficientemente resistente por sí misma, así que tenía que añadir algo que la reforzara, además iba contrarreloj si quería exponer el trabajo en clase.

Al fin me hice con una lámina de acetato del mismo tamaño que la composición, no es lo suficientemente gruesa como para permanecer totalmente rígido, pero resiste si se manipula con cuidado; así que pegué la composición a la lámina con más acetato.

Una vez en la universidad, se me ocurrió hacer un poco más de dripping, esta vez azul y más trasparente, cerca de la zona en la que están los guantes.

Y fin, este fue el resultado final:

Versión 1


Pero bueno, ésta es sólo la versión más simple de mi trabajo. Desde que comencé a pensar en qué y cómo hacerlo quise que hubiera más de una manera posible de contemplarlo...

Así pues... si apagamos las luces y ponemos sólo una luz detrás de la composición...

Versión 2


Y... si apagamos también esta última luz... los elementos que tenían protagonismo a la luz desaparecen en la oscuridad y aparecen ante nosotros otros que, también estaban ahí pero, no habíamos visto:

Versión 3



Desde un principio quise que mi trabajo no tuviese ningún significado ni connotación, pero creo que la composición fue cobrando un sentido y un significado y definiéndose a sí misma conforme la iba definiendo yo en mi cabeza: ahí están personas, ideas, vicios, sueños...



Solamente finalizar la entrada diciendo que este ha sido el trabajo con el que más he pensado: creo que supe integrar desde la primera idea que tuve, pasando por todas las que me sobrevinieron a lo largo del proceso, hasta la última que tuve el último día; y estoy muy satisfecha con ello.

sábado, 8 de septiembre de 2012

Trabajo 10. Técnica mixta ''veladuras''.

Sobre las veladuras:

Técnica más utilizada durante el Reacimiento, la veladura consiste en capas muy delgadas de pintura, de forma que se trasparente la capa inferior, así lo que se ve es el resultado de la mezcla del color inferior más el de la veladura.

Es necesario que la capa inferior esté seca, esta capa puede ser de óleo o de acrílico, aunque antiguamente se utilizaba una base de temple.

Para 'adelgazar' la pintura y convertirla e un barniz casi transparente se utilizan medios sintéticos, nosotros utilizaremos médium.

Material:

- 2 bastidores armillados, entelados e imprimados de 30x40.
- Óleos, médium, pinceles y acrílico (sombra natural).
- Fotografía.

Proceso:

Utilizaremos uno de los bastidores para realizar pruebas con el óleo antes de aplicarlo sobre el retrato.


En el otro bastidor elaboraremos una base de acrílico sombra natural de la fotografía, yo elegí la siguiente:


Así pues, sobre una base de acrílico nosotros iremos añadiendo sucesivas veladuras de color consiguiendo transparencia y profundidad.


Así pues el resultado al que he llegado ha sido el siguiente:


Puede que más adelante y siguiendo las recomendaciones de alguien más experto le dé alguna veladura más para unificarlo todo un poco más y quizá saturar un poco más los colores... Pero por el momento se queda así.

Es un trabajo que requiere mucha paciencia, de la cual... ando un poco escasa... sin embargo, ha sido uno de los trabajos que más me han gustado.

Trabajo 9. Retrato ''alla prima''. Óleo.

Ya hablamos del óleo en la entrada anterior, así que pasaremos directamente al ejercicio:

Material
- Bastidor armillado, entelado e imprimado.
- Carboncillo
- Paletinas, brochas, espátulas.
- Trapos.
- Óleos.
- Esencia de trementina.
- Fotografía.

Ejercicio

Este ejercicio se realizó en una sesión de 3 horas en clase.

Primero hemos de hacer un encaje rápido y sencillo de la fotografía en el bastidor.
Después procedemos a un manchado rápido, eligiendo dos colores muy contrastados, uno muy oscuro y otro muy claro. Hemos de empastar mucho, poniendo gran cantidad de masa pictórica en el soporte, yo decidí hacerlo con espátula.

El resultado fue el siguiente:


No quedé muy contenta con ello, era la primera vez que trabajaba con óleo, puede que no me alejara mucho del bastidor a la hora de realizar el trabajo, por lo que me ha quedado un efecto 'máscara' que o me convence del todo. Sin embargo el proceso me gustó mucho... supongo que es cuestión de práctica.


jueves, 6 de septiembre de 2012

Trabajo 8. Pincelada impresionista.

Introducción al óleo
El óleo es una técnica pictórica consistente en mezclar los pigmentos con un aglutinante a base de aceites, normalmente de origen vegetal. Por extensión, se denominan óleos a las pinturas ejecutadas mediante esta técnica, que admite soportes de muy variada naturaleza: metal, madera, piedra, marfil, aunque lo más habitual es que sea aplicado sobre tela.

Material
  - Lienzo (bastidor machembrado + tela de lino o algodón 100%)
  - Imprimación de gesso sintético
  - Cinta de carrocero
  - Óleos
  - Paletinas, espátulas, pinceles redondos y planos de diferentes tamaños
  - Trapos
  - Esencia de trementina
  - Paleta

Ejercicio
En este ejercicio trataremos de imitar la pincelada impresionista de zonas ampliadas de obras de dicha técnica...





La primera parte que trabajé fue con una brocha gorda y con óleo mezclado con un poco de esencia de trementina para que estuviese más diluido:



La segunda parte la trabajé con una espátula grande y de punta redonda, con óleo sin adulterar. De esta forma se consigue un trabajo más expresivo, aunque es más difícil conseguir un buen parecido entre la obra original y tu trabajo:



La tercera parte decidí trabajarla con un pincel plano, pequeño y duro, así como con óleo nuevamente sin esencia de trementina. Se consigue un estilo más contenido, pero a mí el resultado me gustó:



Y por último, en la parte que me quedaba decidí trabajar con una espátula pequeña y de punta triangular, con óleo sin adulterar; pero esta vez apliqué una base de óleo irregular de verdes, azules y amarillos (colores predominantes), y después fui añadiendo más colores con la espátula, mezclando prácticamente todo en el lienzo. Este resultado también fue uno de los que más me gustó:






Así pues, el resultado obtenido fue el siguiente:

viernes, 24 de agosto de 2012

Trabajo 11. Transfer.

Sobre el transfer:
Se trata de una técnica que consiste en pegar una imagen de una fotocopia sobre cualquier soporte lo suficientemente poroso, podríamos decir que es similar a una calcamonía.

Normalmente esta técnica va acompañada de otra en las composiciones, es por esto que en este trabajo debemos utilizar al menos una técnica más.

Material:
- Bastidor de 40x40
- Imagen en fotocopia
- Aguacola (acetato+agua)

Proceso:

Para mi trabajo yo elegí una fotocopia en blanco y negro, por lo que imprimé el bastidor con gesso para conseguir más contraste en la composición.
Así pues, para transferir la imagen al soporte debemos impregnar de aguacola una fotocopia fresca (que no lleve más de 3 horas impresa) por el lado impreso, y después pegar ésta en el soporte.

Una vez seco deberemos, quitar el papel. ¿Cómo? Pues con la ayuda de agua caliente y frotando con el dedo iremos pelando la superficie hasta que sólo quede la tinta pegada sobre el soporte.
Parece sencillo pero retirar todo el papel es muy laborioso, por no decir pesado: cada vez que se seca el bastidor descubres que queda más papel que quitar y si te pasas corres el riesgo de llevarte la tinta (esto último no terminó de disgustarme, pues la fotografía que había elegido es un tanto vieja y la tinta que se va deja un efecto de foto antigua o vieja).
Después de horas y horas quitando papel con el dedo descubrí que con un cepillo de dientes es mucho más fácil y rápido (si es que en esta carrera lo que más aprenderemos será cómo ser más eficientes, ya lo digo yo...).

Una vez retirado toooooodo el papel yo me decanté con utilizar acuarela, pues es una de las técnicas que más me gustan, aunque sobre gesso no sea la técnica que más convenga utilizar me interesaba la transparencia de ésta para dar protagonismo a la técnica que hemos tenido que trabajar en este ejercicio: el transfer en sí.

Así pues, mi resultado es el siguiente:


domingo, 19 de agosto de 2012

Ejercicio 4. Seis composiciones cromáticas en acrílico.

Introducción al acrílico
Caracterizada por su rapidez de secado, la pintura acrílica podría ser considerada como la sustituta moderna del óleo, teniendo ventajas y desventajas: la pintura acrílica no desprende vapores tóxicos, como el óleo (ya que su solvente es la trementina); pero al secar, se modifica ligeramente el tono, más que en el óleo. El acrílico también es soluble en agua, pero una vez seco es resistente a la misma, pues su aglutinante es el acetato de polivinilo.
Pues bien, el acrílico se consigue hidratando el pigmento con agua y mezclándolo con su aglutinante.

Material
    -  Papel de calco
    -  Fotografía en blanco y negro
    -  Papel BASIK
    -  Pintura acrílica
    -  Jeringuillas
    -  Pinceles redondos y planos de punta redondeada

Ejercicio
Para empezar hemos de calcar la fotografía por niveles de distinta tonalidad (filtro Photoshop) en el papel BASIK.
Yo escogí esta imagen:

Después, guiándonos con el triángulo cromático, mezclaremos los acrílicos primarios para conseguir colores contiguos en el triángulo y así elaborar nuestras 6 composiciones cromáticas.







  Quise que en todas y cada una de las composiciones estuviese presente uno de los colores primarios, generando en algunas de ellas una tensión, en otras resultando agradable y en alguna que otra... haciendo que no se entienda un cagao.

domingo, 6 de mayo de 2012

Willard Wigan, MICROescultor.

Sus esculturas son tan pequeñas que pueden estar sobre la cabeza de un alfiler o el ojo de una aguja...























Pues bien, la carrera de Willard Wigan como microescultor comenzó cuando el sólo tenía 5 años, edad a la que comenzó a construir casas para las hormigas porque pensó que necesitaban algún sitio en el que vivir; después, les hizo sombreros y zapatos. Adorable, ¿no?

A día de hoy sus esculturas sólo pueden verse con microscopio y la industria cinematográfica tiene en el punto de mira la vida de este... microartista.

Más información e imagénes en la WEB DE WILLARD WIGAN.